ACCIÓN QUE HIPNOTIZA

MISIÓN DE RESCATE
(Extraction / Out of the Fire)
2020. Dir. Sam Hargrave.

         Ópera prima del actor, director de cortometrajes, coordinador de dobles de escenas de riesgo (cuyo oficio se nota) Sam Hargrave, estamos ante una cinta de género puro. Es la acción total, plena de violencia y de guiños morales, que se lleva el noventa por ciento de las casi dos horas de proyección, aunque, sin dejar de lado, el acercamiento humano y alguna que otra metáfora visual con su tinte poético. Los elementos que la componen: guion de Joe Russo, mitad del equipo de Joe y Anthony Russo (a quienes se les deben cuatro buenas cintas de Marvel: dos con el personaje del Capitán América, en 2014 y 2016; y otras dos con los personajes de Avengers, en 2017 y 2019), aunque perpetradores de la trama de una novela gráfica que es la base de esta película, y la espléndida fotografía de Newton Thomas Sigel al cual se deben otros productos de Marvel, o la magnética Drive, el escape, o aquella legendaria Confesiones de una mente peligrosa. Aparte, hay un largo y magistral  plano secuencia, que dura once minutos, con cámara en mano, que muestra una persecución sobre escaleras, pasillos, techos, saltos de edificios, entradas y salidas por laberínticos departamentos, que luego de 1917, nos pone a pensar en las maravillas de edición que la tecnología nos brinda actualmente (de hecho, así fue filmada esta secuencia que le recomiendo disfrutar con atención: es hipnótica). Esta secuencia es ejemplo de la maestría de Hargrave para las secuencias de riesgo. Genial.

         Por otra parte está el elenco. Al ser una producción filmada en oriente, resulta loable y natural que se utilicen a actores indios para los papeles que así lo requieren. Además de ser productor, el inteligente Chris Hemsworth supo en quien apoyarse para la dirección y guion. Si además resulta ser el único nombre estelar para la distribución mundial, su lucimiento es innegable y su presencia, imponente. El reparto indio es impecable. El joven Jaiwal que interpreta a la joven víctima es conmovedor y vulnerable. El otro estelar norteamericano es David Harbour, en un corto rol como viejo compañero de trabajo de Tyler quien llega a estar a la altura de la trama en cuanto a su reacción.

         Tyler Rake (Chris Hemsworth) es un mercenario australiano que vive lamentando la muerte de su pequeño hijo y la cobardía de no haberlo acompañado en su agonía debida al cáncer. Cierto día le llaman para que rescate al adolescente Ovi Mahajan (Rudhraksh Jaiwal), hijo de un poderoso narcotraficante que actualmente se encuentra en prisión, de las garras de un rival que lo ha secuestrado y llevado a Bangladesh. El equipo que apoya a Tyler se prepara para el hecho y todo va acorde con un plan cuando se descubre una traición interna: se logra rescatar al jovencito pero no se ha pagado la suma acordada. Aunque le recomiendan que lo mate, Tyler no acepta. Junto con el muchacho comenzará toda una odisea para que no sea devuelto a su secuestrador original, el poderoso Amir Asif (Priyanshu Painyuli) quien es el zar de la droga en Bangladesh. La cinta tendrá una narración cíclica ya que inicia durante un enfrentamiento casi final para volver al pasado y recuperar toda la referencia previa. Esta sinopsis es bastante general y no abarca todos los giros que se presentan. 

         Es una gran producción filmada en Tailandia e India para mostrarnos los espacios de comodidad y riqueza de la sociedad india en Mumbai, en contraste con la pobreza extrema de las calles, casas y barrios de Dhaka, en Bangladesh. Vamos a ver el gran entretenimiento del cine de Hollywood (que hubiera merecido un preestreno en salas si no existiera la presente contingencia) donde hay balas y muertos al por mayor. Como dije, es una cinta de género. No obstante, toda película es documento y toda película tiene personajes que nos acercan a sentimientos y emociones. Es interesante que la víctima, un jovencito solitario, sea el hijo de un gran mafioso, objeto (él se siente como un paquete que se negocia) de venganza, humillación y asentamiento de poder con otro ser negativo. Finalmente, la compasión que se solicita al espectador es hacia la persona inocente que está entre estos dos fuegos. Y como toda cinta de género, hay un héroe, un mercenario que mata por dinero, que en este caso se encuentra en un momento bajo de su estado anímico, quien inicialmente se compromete a la misión por dinero.

Chris Hemsworth con Rudhraksh Jaiwal

Golshifteh Farahani

Priyanshu Painyuli

         Así, la película podrá tener secuencias de interacción sentimental y de revalorizaciones personales. Serán las que darán otra dimensión a lo que sería una cinta rutinaria. La metáfora del agua como espacio de meditación, calma y alegría, o de muerte y resurrección, se repetirá en instancias claves para la película. Las imágenes de cuerpos que caen desde las alturas hacia el fondo del océano, de una alberca, de un puente, se tornan en claves para evitar caer en el rechazo absoluto (a menos que usted sea frío y fiel creyente cerebral de la lógica).

El director Sam Hargrave

con su actor y productor.

UNA FAMILIA NORMAL

CIRCUS OF BOOKS

2019. Dirs. Rachel Mason y Kathryn Robson.

         Circus of Books es el nombre de la que fuera una legendaria sex shop en West Hollywood, especializada sobre todo en mercancía gay. También es el título de este documental donde la directora Mason ofrece un recuento de la vida de sus padres, dueños y operadores de la tienda durante 37 años. El documental nos lleva hacia los orígenes de la pareja Karen y Barry Mason: ella era periodista en Cincinnatti hasta que se cansó de cubrir tragedias y crímenes, por lo que se mudó a California. Barry había sido técnico de efectos especiales en 2001: Odisea del espacio y en la serie Viaje a las estrellas (Star Trek) bajo las órdenes de Linwood Dunn, personaje esencial del ramo (y quien estuvo en Monterrey en alguno de los coloquios de cine que organizaba la Universidad Regiomontana en los años ochenta). Luego se tornó inventor en el ramo médico, aprovechando sus experiencias dentro de esos efectos, pero luego tuvo que abandonarlo. Sin tener trabajo, ya casados, Karen encontró un anuncio periodístico donde el legendario Larry Flynt, editor de la revista Hustler solicitaba distribuidores. De esa manera nació su tienda.

Karen y Barry Mason:

una familia común

         El documental nos lleva a esos momentos con imágenes y testimonios que se vuelven muy importantes. Se habla de una época cuando estas tiendas, así como los clubes gay eran las formas de convivencia, encuentro y ligues entre hombres que, desgraciadamente, vivían con la amenaza de ataques por parte del gobierno, siempre en nombre de la defensa de la familia bajo cargos de obscenidad. La tienda se tornó en espacio indispensable, pero lo más sorprendente del documental es que uno se entera de una pareja que veía el asunto como negocio: una manera para sobrevivir. “Como vender manzanas”, dice uno de los entrevistados de la cinta. La directora Mason, y sus dos hermanos, atestiguan que nunca se enteraron de la naturaleza del oficio de sus padres, ni siquiera cuando hubo una orden de gobierno contra ellos.

Karen Mason en una muestra comercial

de productos para consumo adulto

         Por otro lado, se muestra el lado humano (e irónico) de la familia: uno de los hijos, Josh, se dio cuenta de que su orientación era homosexual. Al darlo a conocer, luego de años e intentos fallidos, el padre lo tomó de manera natural, pero Karen tuvo sus reservas (sobre todo, debido a los atavismos de su religión judía). Así, se hacen notar tanto la frialdad (era un negocio y se respetaba a los clientes y empleados) como la contradicción personal (siempre ver al género y la sexualidad, como algo que ocurre alejado de la realidad cercana a nosotros). No obstante, el efecto final fue favorable.

La directora Mason con un ícono gay

de los años 80: Jeff Stryker

         Estamos ante un documental que resulta ilustrativo y fundamental acerca de los cambios sociales y la evolución de pensamiento. Para los jóvenes actuales, la facilidad de acercamiento ilimitado y gratuito a la pornografía, o el acceso a conocer y encontrar parejas para intercambios sexuales, será curioso, sorprendente e inexplicable. El hecho de que hayan existido este tipo de factores y circunstancias para las generaciones del pasado viene a ser un recuento histórico, y un triste testimonio de inútiles represiones que provocaron luchas para ser, por fortuna, eliminadas. Más que nada, el hecho de que este caso particular fuera producto de una necesidad económica, dentro de una familia, a la cual se consideraba como principal víctima amenazada por la obscenidad.

Las realizadoras Mason y Robson

en el Festival de Tribeca 2019

SIN MORALISMOS

NUNCA, RARAS VECES, EN OCASIONES, SIEMPRE
(Never, Rarely, Sometimes, Always)
2020. Dir. Eliza Hittman.

         Al inicio de esta estrujante película, Autumn (Sidney Flanigan) participa en una muestra de talentos estudiantiles interpretando una canción con su guitarra. Antes hemos visto a un imitador de Elvis y a un trío de jóvenes con canción al estilo Do-Woop que hace pensar que estamos en los años cincuenta. Más tarde, nos damos cuenta que es 2019 en Ellensboro, Pennsylvania, pero como si se estuviera en esa década. Durante la interpretación un joven la insulta y, más tarde, mientras Autumn celebra junto con su familia, el mismo tipo le hace señas obscenas imitando una felación. 

         Al día siguiente, Autumn se dirige a una oficina de planeación familiar para enterarse de su situación. Una prueba de embarazo resulta positiva. La encargada le comenta que tiene alrededor de diez semanas y le muestra un vídeo en contra del aborto. Autumn y su prima Skylar (Talia Ryder) trabajan en un supermercado como cajeras. Sin querer, debido a sus náuseas, la otra chica se entera de su situación. Al no poder abortar en su estado sin el consentimiento de sus padres, Autumn decide ir a Nueva York. Skylar toma dinero de su trabajo para poder acompañarla. Así iniciará un viaje de incertidumbre que deparará algunas sorpresas pero es donde la joven podrá realizarse el aborto buscado.

         Sin juicios morales o discursivos, la cinta nos muestra la realidad a la que se enfrentan los jóvenes hoy en día. Estados Unidos, en sus pueblos y ciertos estados, todavía impone obstáculos y decisiones sobre las realidades de sus adolescentes. De ahí que la atmósfera de siglo veinte se sienta desde el inicio de la cinta hasta las acciones que deberá tomar Autumn. Cuando llega a la clínica recibe atención y comprensión de una manera natural, sin culpas, ni remordimientos o sugerencias indirectas, contra la actitud en la oficina de su pueblo. 

         El título de la cinta nos remite a las respuestas de las encuestas que usualmente se nos presentan. Las opciones son las que debe responder Autumn ante las preguntas de la trabajadora social que la atiende. De esta manera nos vamos enterando e imaginando lo que ha sido la vida de la muchacha, porque la película no explica ni pierde tiempo en ofrecer antecedentes o explicar consecuencias. Autumn se ha embarazado, no le ha comentado a su madre, no se sabe quién es el padre (tal vez el muchacho que se burló de ella al inicio) y no le queda más que tomar su decisión: no está lista para ser madre en esa edad ni tampoco desea ofrecer al bebé en adopción. La relación con la prima es cercana, pero es de las que ya no requieren palabras. Se apoyan porque han crecido juntas y es lo que hace la familia, a pesar de que Autumn, dentro de sus presiones, de repente la insulta. Su viaje a Nueva York les ofrecerá tanto agresiones (un tipo que se empieza a tocar frente a ellas en el Metro) o bondades (la relación con un joven estudiante que las ayudará inesperadamente).

Skylar con su benefactor Jasper

(Théodore Pellerin)

         La realizadora Hittman nos había deslumbrado previamente con Beach Rats (2017) que aquí pudimos disfrutar en la Cineteca Nuevo León (o por streaming) donde un joven luchaba por aclarar su identidad sexual queriendo estabilizarla por medio de la droga. Tanto en esa cinta como en la que ahora nos ocupa, hay un personaje que no tiene comunicación con sus padres: está la soledad y lo que viene a ser un aislamiento voluntario por el sentimiento de incomprensión. Igual que en la anterior cinta,  Nunca, raras veces, en ocasiones, siempre, fue filmada en 16 mm por la cinematografista francesa Hélène Louvart (Feliz como Lázaro o Familia sumergida), alcanzando una atmósfera intimista para una cinta que nos habla de las realidades de un mundo que debe replantearse el bienestar del ser humano.

Las actrices con la directora

Eliza Hittman (derecha).

¿PARA QUÉ SIRVE?

LA VIDA ESCOLAR
(La vie scolaire)
2019. Dirs. Grand Corps Malade y Mehdi Idir.

         Una mirada objetiva hacia la educación actual en una escuela situada en el corazón de Saint Denis, suburbio parisino donde habita toda una mezcla de razas diversas. Aunque pareciera que estamos ante otra cinta de casos extremos donde se tratarán las mismas situaciones de siempre sobre drogas, sexo y decadencia social, la cinta ofrece una visión global del mundo en que vivimos confrontando tanto las situaciones de maestros y alumnos cuya diferencia reside en la edad, en que están en lados opuestos de circunstancias: unos son alumnos, sometidos a un régimen; los otros son la autoridad, los guías. La cinta no nos deja olvidar que quienes están al frente de esta educación también fueron alumnos que vivieron en condiciones semejantes porque sus orígenes étnicos también fueron semejantes. 

         Inicia el año escolar y la directora del plantel presenta a la nueva consejera, Samia (Zita Hanrot) y su equipo de monitores. Se encargan de la disciplina y el orden en la escuela. Así, Samia irá conviviendo con diferentes maestros y conociendo a los alumnos que llegan a su oficina por faltas, retardos, indisciplina. Se establecerá una relación particular entre Samia y un alumno, Yanis (Liam Pierron) ya que ambos viven una experiencia similar: Samia tiene a su pareja en la cárcel y Yanis a su padre. Igualmente, Samia encontrará que el maestro Messaoud (Soufiane Guerrab) es otra persona con la cual puede confiar y en quien encuentra compatibilidad en sus ideas acerca de la misión que se han echado a cuestas.

         Sin pontificar, ni caer en los lugares comunes, la cinta nos va mostrando indirectamente las vidas de los alumnos a través de sus comportamientos en la escuela (las mentiras, las bromas, los retos), así como aspectos de las personalidades en algunos profesores (sus cualidades y defectos, además de sus filias y fobias). Así como Samia tendrá interés en los casos más fuertes, también disminuirá la atención en casos nimios, como el robo de una goma para borrar. Y lo más interesante es la manera en que se comparan las formas de actuar de cada uno de estos sectores: hay una secuencia magistral donde, por efectos de edición, se alternan momentos de fiestas que están celebrando simultáneamente tanto los maestros como los alumnos, para demostrar que las diferencias son circunstanciales, de tiempo y de contexto, ya que en ambos casos se discute sobre temas usuales a cada edad, en ambos casos se acercan a la droga recreativa y al alcohol, así como las relaciones sentimentales o simplemente sociales, entre ellos. De la misma forma, se hará notar que los castigos tienen diversos grados de consecuencias tanto en alumnos como maestros.

         El caso de Yanis es peculiar porque es un muchacho inteligente, convencido de que la droga no es el camino adecuado, pero quien no muestra interés o curiosidad en la escuela. Se vive cuestionando el sentido de la educación escolar porque no le encuentra aspectos prácticos. No sabe lo que quiere hacer en la vida (algo que Samia intentará descubrir) y, sin embargo, debe cumplir con las normas de la educación institucionalizada, a pesar de que alguien en la cinta menciona que lo tradicional no es adecuado para todos los alumnos. 

         Samia, por su parte, se ha mudado a este suburbio, y encontrado este trabajo, para estar cerca de la prisión donde está recluido su amado. De ascendencia argelina, ha tenido el privilegio de una posición acomodada, además de ajustarse a la modernidad sin seguir las tradiciones religiosas. Su vida personal entrará en conflicto y confesará a su colega que siente inútil su trabajo. Messaoud le comenta que no podrán “salvar” alumnos, sino intentar encaminarlos.

         La cinta llega a un final que resulta irónico. Una gran panorámica sobre los altos edificios habitacionales de Saint Denis hace cuestionarnos: ¿Será que la vida escolar es una gran jaula en la que nos encontramos atrapados temporalmente? ¿O es que no será la solución a los males de este mundo ya tan deteriorado? Al dejarnos inquietos, la cinta cumple con su misión.

Los directores Grand Corps Malade y Mehdi Idir

GAY STREAMING

1-

HOMBRES DE PIEL DURA
2019. Argentina. Dir. José Celestino Campusano.

         Ariel (Wall Javier) es un adolescente que vive en un pequeño poblado de la provincia de Buenos Aires, hijo de Pablo (Omar Medina), un agricultor terrateniente, y que ha sufrido de abuso sexual, por varios años, del sacerdote Omar (Germán Tarantino), aunque ha sido bajo su consentimiento y está enamorado. Cuando Omar le dice que debe buscar otros intereses románticos, Ariel centra su interés en Julio (Juan Salmieri), uno de los peones de su padre quien lo utiliza para satisfacer solamente sus necesidades. Pablo intenta “curarlo” y le trae una prostituta quien accede a mentir con tal de ganar dinero y comer en su casa. Ella lo conecta con un cuatrero que le hará tomar una importante decisión. 

         Narrada con bastante sequedad porque los hechos se presentan de manera directa y abierta, la película puede confundir inicialmente porque pasa de un personaje, Ariel, a otro, el sacerdote, sin mayor relación que la ruptura entre abusador y víctima sometida, para establecer los parámetros en que se desarrollará la trama. Ariel colabora en el comedor para niños de la escuela local y ahí pregunta por Omar, el sacerdote, quien se encuentra en un retiro. Viaja a buscarlo para que el hombre lo rechace y le pida que se retire. Ahí, otro sacerdote platica de manera casual sobre lo que significa la atracción hacia los jovencitos que despiertan sus pasiones, justificando dichas acciones, dándole una legitimación religiosa. Luego, Ariel se fija en Julio al cual seduce e inicia una relación física que confunde con experiencia romántica. A partir de un plan que propone a su padre para que los peones duerman en el rancho en vez de desplazarse diariamente a sus casas y ahorrar tiempo, todo con la idea de que así podrá compartir su habitación con su peón, éste lo rechaza para darse cuenta nuevamente de que ha sido utilizado sexualmente.

         La cinta continuará alternando las historias de los destinos de estos protagonistas en un medio naturalista. Así como Ariel logrará desprenderse de su dependencia paterna y asumir su propia vida bajo sus propios intereses, el sacerdote pederasta llegará a dudar de su fe y vocación, tras el ejemplo de otro clérigo mayor en edad, quien fuera exiliado de la iglesia hacia un pueblo que lo desprecia y al cual la soledad ha llevado al arrepentimiento. Con espléndidos logros visuales, tomas cenitales, otras en cámara lenta, la película también tiene sus escenas de sexo explícito que se encuentran bien justificadas para denotar la libertad del personaje.     

2-
MATTHIAS ET MAXIME
2019. Canadá. Dir. Xavier Dolan.

         Matthias (Gabriel D’Almeida Freitas) es abogado con buenas perspectivas en su empleo. Maxime (Xavier Dolan) va a emigrar a Australia porque necesita alejarse de una madre enferma, adicta y destructiva. Ambos han sido amigos desde la infancia. Un fin de semana se reúnen en la casa del grupo de antiguos compañeros que se frecuentan. La hermana de su anfitrión es una joven aspirante a cineasta y les pide que participen en uno de sus vídeos. Maxime acepta pero Matt se niega hasta que pierde una apuesta que lo obliga a salir en la filmación: un detalle que no les habían dicho es que tenían que darse un beso. Pasa el tiempo. A dos semanas antes de que Maxime se vaya, Matt asiste, junto con su novia, a la casa de la madre de quien fuera el anfitrión de la vez anterior. Ahí, la joven cineasta muestra el vídeo que todos alaban. Matt está inquieto y hasta discute con su novia pensando que se ha enojado y hasta se justifica que fue obligado a hacerlo. Ella reacciona desconcertada porque no lo había tomado en serio. Una semana antes de que Maxime parta, se celebra su cumpleaños en la casa de la madre de Matt quien lo aprecia mucho desde que era niño, amigo de su hijo. Le piden a Matthias que pronuncie un discurso para Max pero solamente se confunde, no sabe qué decir y termina con palabras sueltas. Posteriormente al festejo habrá una reunión en casa de otros amigos, en honor a Max. Matthias se disculpa pero su novia le reclama que lo haga. Accede a asistir y ahí, nervioso, provoca una pelea por nimiedades con otro de los invitados. Luego de la tensión posterior, Matt se encuentra solo con Max en uno de los cuartos traseros de la casa y ahí se besan apasionadamente.

         Si le comento esta sinopsis con tanto detalle es para establecer la anécdota básica de un guion muy bien elaborado donde se diseccionan a los sentimientos ocultos en las profundidades del alma que, de pronto, cierto día, surgen a la superficie para provocar confusiones, suspicacias, miedo de que se destruya la máscara que ha cubierto verdades incómodas, temor a que se destruya el equilibrio cotidiano, pánico de la confrontación con uno mismo que llevará al cambio radical. Xavier Dolan, luego de ser el niño terrible del cine canadiense, ganarse premios y escandalizar por sus temáticas, llega a los 30 años y filma una cinta contenida que no deja cabos sueltos y explora a dos personalidades distintas que siempre se han querido pero quienes no habían tomado conciencia de que se amaban hasta que ocurre esta situación nunca planeada. Hasta entonces eran dos colegas, dos amigos que se complementaban con su amistad sin darle otra justificación.

         Cada personaje se encuentra muy bien delineado: Maxime vive solo pero atiende a una madre que, aparentemente, acaba de salir de alguna rehabilitación pero quien lo rechaza y prefiere abiertamente a otro hijo que se encuentra lejos. Tiene un lunar, mancha roja, sobre su mejilla derecha, que le da cierta vulnerabilidad. A Max no le queda otra salida que alejarse, ir a trabajar en empleos meniales a un país distante. Es un ser fuerte que, de todas formas, se siente frágil ante una madre que se torna en gran energúmeno. Matthias es abogado exitoso al cual su jefe le predice buen futuro. Tiene novia y su existencia es más bien simple y conservadora, además de mostrar un equilibrio emocional. Es quien atiende a los clientes importantes. Es el que corrige a los demás. Es la formalidad en contraste con la simpleza de Maxime. Por eso son sus temores. Por otro lado, para Maxime, en el momento en que sale hacia el aeropuerto, encuentra a Matthias en su puerta, quien le sonríe.

CONGRACIARSE CON LA VIDA

EL HÉROE
(The Hero)
2017. Dir. Brett Haley.

         Lee Hayden (Sam Elliott, septuagenario y fantástico) fue una gran estrella del cine del oeste. Ahora se mantiene con su voz en comerciales pero acaba de enterarse que tiene cáncer de páncreas, ya en estado avanzado. Decide no someterse a tratamientos, fumar sus cigarros de marihuana junto con su ex coestrella y ahora surtidor de droga, Jeremy (Nick Offerman), y tampoco informar a su exesposa Valerie (Katharine Ross) y su hija Lucy (Krysten Ritter) de las cuales se ha mantenido alejado. Gracias a Jeremy conoce a Charlotte (Laura Prepon), comediante standopera, con la cual vivirá algunas experiencias que le harán primero sentirse derrotado, pero luego abrirse a cierta esperanza.

Lee grabando un comercial (arriba)

Lee con su proveedor de droga (abajo)

         La cinta es un melodrama con personas terrenales, gente bastante ordinaria en su vida cotidiana, si acaso Lee fue una estrella que tuvo su momento importante, y Charlotte se dedica a una profesión poco ortodoxa pero muy común. Sin embargo, la película habla sobre la vulnerabilidad (de repente el mundo va a terminar sin esperarlo), habla sobre la rutina (vivimos inmersos en despertar cada día sin que nos importen los demás), habla sobre la autoestima (descubrimos que los demás nos miran y valoran sin que nos lo imaginemos), habla sobre las ilusiones (sin querer se recupera la confianza de que tal vez haya más tiempo, otra expectativa, el perdón al pasado) y también nos dice que disfrutemos de aquello que nos vaya sucediendo.

Lee escuchando el diagnóstico de su médico (derecha)

Lee en un sueño recurrente hacia su pasado como estrella del cine del oeste (izquierda)

         Lee recibe la noticia de que una asociación que rinde tributo al viejo oeste y a sus símbolos, desea entregarle un reconocimiento por su carrera, basándose en una película que fue importante. Invita a Charlotte para que lo acompañe y al momento de ofrecer su discurso, él mismo hace un reconocimiento a sus seguidores, a través de una de las personas presentes. Sus palabras y su actitud son grabadas en vídeo y subidas a la red por lo que se torna viral. De alguna manera, se revitaliza el interés por Lee Hayden y hasta surge la propuesta de una película. Por otro lado, el hombre experimenta un renacimiento del amor a través de la sexualidad y su relación con Charlotte. No obstante, habrá algunos obstáculos. 

Lee con 

         En el cine francés habíamos podido notar la pasión literaria, común entre sus creadores, por lo que no era raro tener a Balzac (La piel suave, Truffaut, 1964) o Pascal (Mi noche con Maud, Rohmer, 1969) como vías impensadas hacia la seducción amorosa. En este caso, es la poeta Edna St. Vincent Millay, ya que uno de sus poemas sirve para la expresión de la pasión erótica, del sentimiento que Lee ha despertado en la aparentemente cínica Charlotte. Esto da lugar a un momento muy significativo de la película.

         ¡Y sobre todo, Sam Elliott! Es una película en la que, afortunadamente, aparece casi en todos los fotogramas y secuencias, como tributo y altar a su personalidad. El gran ejemplo del actor talentoso, contenido, con una voz emotiva e identificable, demostrando lo que significa haber sabido envejecer con sabiduría y elegancia. Con 73 años encima en el momento de filmar esta película, no teme mostrar las arrugas en un cuerpo que supo cuidar y mantener en forma. Su propio rostro es atractivo con un mostachón blanco. De hecho, su fuerza expresiva es lo que le destacó en la fallida Nace una estrella (2018, Cooper) como el hermano mayor, agente, del autodestructivo Jack. Gran cualidad de este buen, emotivo melodrama, que nos permite disfrutarlo.

Sam Elliott a través del tiempo:

ejemplo de lo que es saber envejecer

         El héroe nos muestra a un hombre en el final de su jornada que decide reconciliarse consigo mismo. A pesar de las fallas, de que ya no hay más tiempo que “el que quede”, tendrá que aprovecharlo. Es la reflexión que nos llega cuando no hay marcha atrás: aprovechar el pan de la vida hasta las últimas migajas, como tanto me gusta referir a Bertolt Brecht por su cuento La vieja anciana indigna. ¡Ah, e insisto: Sam Elliott!

El realizador Brett Haley

con su actor: esta cinta

es un tributo para Sam Elliott